viernes, 5 de abril de 2013

Nueva Feria: ArtMadrid Maestros

Siguiendo el ejemplo de otras ferias, que separan el arte contemporáneo del realizado en los siglos XIX y XX, como sucede con The Armory Show o Frieze, Art Madrid ha presentado su nuevo proyecto Art Madrid Maestros, que pretende integrar a los artistas comprendidos dentro del movimiento artístico conocido como arte moderno en un espacio contemporáneo.

art_madridArt Madrid Maestros reunirá del 24 al 28 de abril una selección de pintura, escultura y artes decorativas del siglo XIX y, preferentemente, hasta la década de los 70 del XX, incluyendo Art Nouveau, Art Decó y Vanguardias históricas.
La feria, según se informa en un comunicado, "pretende responder a las necesidades de los coleccionistas, que buscan calidad y concentración, y romper las barreras entre el arte académico del siglo XIX y el de la irrupción y desarrollo de las vanguardias en las primeras siete décadas del siglo XX".


Nuevos coleccionistas
Además se realizará un recorrido en el que estarán seleccionadas diferentes obras con un precio inferior a 3.000 euros, con el objeto de acercar al mundo del arte moderno a los nuevos coleccionistas. La selección será realizada por cada expositor y estará señalizada con un distintivo fácilmente reconocible por el público.
Con esta nueva feria, la organización también pretende completar la oferta de Art Madrid Contemporáneo (en sus convocatorias de febrero y noviembre).


OS ESPERAMOS!!

viernes, 14 de diciembre de 2012

Fallece el escultor Andreu Alfaro

Principal Art quiere  expresar sus condolencias a la familia y lamenta el fallecimiento de un gran escultor pero sobretodo buen amigo.



 

 Andreu Alfaro, el prolífico escultor de las geometrías de acero y aluminio o las columnas de mármol, falleció anoche en Valencia tras varios años apartado de la vida pública por problemas de salud.
Con una obra que supera los dos millares de esculturas, buena parte de ellas repartidas por espacios públicos del mundo, Alfaro fue uno de los escultores españoles contemporáneos más sobresalientes sin abandonar Valencia, donde nació en 1929 y por donde logró pasar inadvertido pese a su importancia de haber sido uno de los primeros en recuperar la modernidad tras el socavón que produjo la Guerra Civil en la producción artística española.

El escultor, que fue asimismo un delicado dibujante, surgió de un entorno que lo predisponía a continuar el negocio cárnico familiar en el que, antes de ir al colegio, había que afilar cuchillos y dar de comer a los cerdos. Alfaro aprovechó esas brechas e hizo el complicado tránsito del mundo productivo al creativo sin desconectarse de la raíz ni perder la perspectiva que le había conferido el duro aprendizaje de la vida; es decir, aplicando la racionalidad a la creatividad. Ese mestizaje, unido a la pulcritud, le permitió sustanciar bellezas de gran elegancia que no solo satisfacen a los más exigentes catadores de códigos, sino que conforman muchos paisajes colectivos.
En 2007 el IVAM, del que fue impulsor y autor del logotipo, mostró una antología de sus 50 años de esculturas. Alfaro, a quien Raimon definió como torsimany de metalls (traductor de metales), ya había dado por concluida su producción.

Figura reconocida internacionalmente, Alfaro recibió en 1980 el Premio de Honor Jaime I; un año más tarde el Premio Nacional de Artes Plásticas, y en 1991 el Premio Alfons Roig de Artes Plásticas.
Artista de trayectoria cambiante y diversificada, Alfaro mantuvo, no obstante, ciertas concepciones básicas tales como la asimilación en la creación artística de la metodología de los procesos y materiales industriales, y el convencimiento de que la escultura debía servir para simbolizar actitudes o argumentos colectivos. Prueba de ello son sus grandes esculturas que, construidas a escalas sorprendentes y con vocación de integrarse en los espacios públicos como verdaderos monumentos colectivos, se encuentran en numerosas ciudades, entre ellas Madrid, donde su obra Puerta de la Ilustración, formada por arcos de acero inoxidable, cruza la avenida de la Ilustración.
En Valencia su obra puede comtemplarse en diferentes espacios como el aeropuerto, la Estació del Nord y la avenida de Aragón. En Barcelona sus esculturas también están presentes, como la del Mil.lenari junto al aeropuerto, y en Nueva York en la fachada del Banco de Santander o en varias ciudades alemanas.

Fuente: El País


Andreu Alfaro en Principal Art

Andreu Alfaro fue uno de los impulsores del Grupo Parpalló en 1958 que defendía la tesis constructivista dentro de una proyección ideal de integración vanguardista de las artes a las que no era ajeno el compromiso político. Quienes han estudiado la obra del artista reconocen las influencias de los contructivistas rusos y Oteiza como nombres indiscutibles a los que vincular su camino creativo.

La galería Principal Art realizó en 2007 una exposición del artista que reunía diecisiete obras detadas entre 1958 y 1992. Entre ellas Caminos de libertad, una pieza de acero inoxidable de 1961 construida con la convergencia de tres piezas que tienen una condición aérea como si el artista quisiera hacer una metáfora sobre la imposibilidad de hallar en nuestra piel de toro ese sustrato fundamental para la vida humana que habría que buscarlo en las estrellas.





Andreu Alfaro  
A punt, 1974
Latón 
57 x 57 x 20 cm



miércoles, 19 de septiembre de 2012

Art Bites 35. Ximo Lizana




Ximo Lizana nació en Huesca 1976 donde comenzó sus estudios en la Escuela de Arte. Licenciado en Bellas Artes en 2002 por la Universidad Politécnica de Valencia, Ximo es un artista multidisciplinario que desarrolla su creatividad en el campo de las nuevas tecnologías como la robótica, hologramas, fotografía, retoque, etc.


Ximo Lizana  was born in Huesca 1976, where he began his studies at the Art School. Bachelor of Fine Arts in 2002 from the Polytechnic University of Valencia, Ximo is a multidisciplinary artist who develops his creativity in the field of new technologies such as robotics, holograms, photography, retouching, etc..

Ximo Lizana en el IVAM
Courtesy Abelard Comes




A lo largo de su carrera ha realizado numerosas exposiciones proyectos nacionales e internacionales (España, Francia, México, EE.UU., ...), y actualmente su obra se encuentra en más de 50 colecciones de arte de todo el mundo.


Throughout his career he has had numerous exhibitions and national and international projects (Spain, France, Mexico, USA ...), and he is in more than 50 art collections in worldwide.

Ximo Lizana 
Autoretrato del Ángel Negro 
Fotografia 

Os presentamos Autoretrato del Ángel Negro, una fotografía en la que une elementos de la fotografía artística convencional con técnicas avanzadas de la imagen sintética (realizadas con técnicas 3D como el ray-tracing por ejemplo). Esta obra de textura eléctrica representa a un ángel negro. Según la leyenda, cuando un ángel llora lágrimas de sangre, su alma y sus ojos se oscurecen. Se transforma en ángel negro y se queda de esa forma hasta que encuentre la luz.

We show you Autoretrato del Angel Negro (Selfprotrait of the Black Angel), a photograph that combines elements of conventional artistic photography with advanced synthetic image settings (made ​​with 3D techniques such as ray-tracing for example). This work with electric texture represents a black angel. According to legend, when an angel cries tears of blood, his soul and his eyes darken. The angel becomes black and stay that way until he finds the light again.



 

lunes, 30 de julio de 2012

Competiciones de arte formaban parte de Juegos Olímpicos


Pierre Courbetin

El arte también formó parte de las competencias en los Juegos Olímpicos desde el año 1912 a 1948. La competición consistía en crear trabajos artísticos que se inspirasen en el deporte. El francés Pierre de Coubertin constituyó el Comité Olímpico Internacional con la finalidad de combinar el deporte y el arte. El educador pretendía cumplir la máxima clásica: “Mente sana, cuerpo sano”.

En 1906, Coubertin propuso organizar competencias de arte dentro del marco de los Juegos Olímpicos. Las competiciones olímpicas se dividirían en las áreas de Arquitectura, Literatura, Música, Pintura y Escultura.

En los Juegos Olímpicos de 1912, en Estocolmo (Suecia), se concretó la propuesta de Coubertin. Solo 35 participantes enviaron sus trabajos y algunos conquistaron medallas de oro en las diversas categorías. En las Olimpiadas de Parías en 1924, la competición artística adquirió mayor relevancia donde alrededor de 193 artistas presentaron sus trabajos. De igual forma, en Amsterdan de 1928,  la expectativa fue mayor cuando se presentaron más de mil 100 trabajos en el Museo Stedelijk de esa ciudad.

La participación de artistas se descontinuó luego de las Olimpiadas número 49 que se realizó en Atenas. Los miembros votaron para que estas competiciones del arte se lleven a cabo fuera de las competiciones deportivas.

Este tipo de Olimpiadas  se dejaron de realizar desde que el Programa Cultural Olímpico organizó la competencia deportiva. A partir de ese momento, se buscó que solo deportistas profesionales participen en los juegos.



Fuente: Rpp Noticias

viernes, 27 de julio de 2012

ADIOS AL IVA CULTURAL


Nos gustaría que nuestro último post antes del periodo vacacional fuera portador de otro tipo de novedades pero la realidad es que las últimas medidas fiscales adoptadas por el Gobierno han provocado verdadera crispación en el mundo del arte.
Para supuestamente garantizar la estabilidad presupuestaria y el fomento de la competividad, se han modificado los tipos impositivos del IVA pasando el tipo impositivo general del 18% al 21% y el tipo impositivo reducido del 8% al 10% mediante el Real Decreto-Ley 20/2012 de 13 de julio.
Esta subida del IVA, que se aplicará a partir del 1 de septiembre, ha resultado espectacular en el sector del arte ya que:

1º- Hasta ahora, los artistas que vendían la obra que producían sin intermediación de un tercero lo hacían con un IVA reducido del 8%. A partir de septiembre deberán vender sus obras con un 21% de IVA lo que supone una subida de golpe de 13 puntos.

2º- Los galeristas que hasta ahora vendían las obras con un IVA del 18% lo deberán hacer a partir de septiembre al 21%

3º- Las importaciones de obras de arte y las adquisiciones intracomunitarias que hasta ahora tenían un IVA reducido del 8% pasan al tipo general del 21%

4º- Además, las retenciones a cuenta del Impuesto de la Renta de las Personas Físicas suben del 15% al 19%

La repercusión negativa que estas medidas causarán en el arte y en la cultura en general son enormes. Para empezar, supondrá una paralización de las ventas y de las importaciones de obras de arte en nuestro país situándonos en una posición de clara inferioridad respecto a otros países de nuestro entorno que aplican tipos como el del 5% en Inglaterra.

Por otro lado, supone por parte del Gobierno un total desconocimiento del funcionamiento del sector y desprecio hacia el mundo del arte. Como nos decía un artista hace unos días “si consideran el arte como un artículo de lujo es que no han entendido nada”. El acceso a la cultura es un derecho constitucionalmente reconocido. Además, tal y como dice la galerista y coleccionista Juana de Aizpuru “Si piensan recaudar más, que equivocados están”.

 

Fuente: Beatriz Niño, Blog de Nial Art Law

jueves, 12 de julio de 2012

Novedades Julio. La obra gráfica de grandes artistas.


Exposición de Picasso en el British Museum 
Picasso exhibition at the British Museum

El British Museum presenta hasta el 2 de septiembre la exposición Picasso, La Suite Vollard. El museo londinense ha adquirido cien grabados producidos por el artista entre 1930 y 1937, obras que nunca han sido expuestas anteriormente. Esta exposición pone de relieve dos temas significativos: la relación de Picasso con su modelo Marie-Thérèse y su compromiso con la escultura clásica. 

The British Museum presents until 2nd September, the exhibition Picasso, The Vollard Suite. The museum has acquired one hundred prints produced by the artist between 1930 and 1937, works that have never been exhibited before. This exhibition highlights two significant subjects: Picasso's relationship with his model Marie-Thérèse and its commitment to classical sculpture.


Catálogo de la exposición
Coppel Stephen, Picasso. The Complete Vollard Suite prints, 2012, Ed. British Museum

Principal Art en obra gráfica
Graphic works from Principal Art


Alexander Calder era famoso por sus esculturas pero no se ha de ocultar su obra gráfica. De hecho, se nota un renovado interés por su obra gráfica en los últimos años como lo demuestra su puntuación en el mercado del arte. Al igual que Calder, la producción de grabados y serigrafías de Antoni Tàpies fue sin duda mucho menos conocida que su obra plástica. Sin embargo, desde 1947, el artista desarrolló una intensa actividad en el campo de la obra gráfica. También, realizó muchas portadas de libros en colaboración con escritores y poetas. 

Alexander Calder was famous for his sculptures but it should not forget his prints. In fact, there is a renewed interest in his artwork in recent years as evidenced by their scores on the art market. Like Calder, the production of engravings and prints by Antoni Tàpies was certainly much less known than his work of paintings. However, since 1947, the artist was very active in the field of graphic art. Also, he realized many covers of books in collaboration with writers and poets.

Joan Miró empezó a experimentar con el grabado y la litografía hacia los años treinta cuando realizó sus primeras litografías para el libro El árbol de los viajadores, de Tzara con quien colaboró a partir de entonces. A partir de 1948, Miró trabajó con abundancia la obra gráfica y litográfica en distintos talleres de París y Barcelona. También el escultor Eduardo Chillida realizó numerosas obras gráficas y ha recibido muchos premios por sus grabados (aguafuertes). Sus obras sobre papel son una parte importante de su creación. Con la tinta, lápiz, o a través de la técnica del grabado, sus obras siguen el mismo principio que sus esculturas.

Joan Miró began experimenting with etching and lithography in the '30s when he made his first lithographs for the book The Tree of the travelers, with Tzara who collaborated with the artist thereafter. Since 1948, Miró worked profusely lithographic and printmaking in various workshops in Paris and Barcelona. The sculptor Eduardo Chillida also made numerous graphic works and has received many awards for his etchings. His works on paper are an important part of the creation. With the ink, pencil, or through engraving techniques, his works follow the same concept as his sculptures.



 ArtNews ya ha publicado la lista con los 200 coleccionistas más importantes del mundo del 2012. Este año sólo aparecen incluidos dos españoles.

 ArtNews has named its top 200 art collectors in the world of 2012. This year only two Spanish collectors are included.






martes, 10 de julio de 2012

Una galería virtual exhibe 40 grandes obras de arte destruidas, robadas, rechazadas, perdidas...



El pasado día 5 de marzo, la publicación 20minutos.es anunciaba la inauguración de una galería virtual albergada por la Tate Gallery, en la que se reúnen más de 40 grandes obras desaparecidas
Queremos compartir con vosotros la noticia ya que nos ha sorprendido gratamente tanto por su originalidad como por su trascendencia. 

El arte, como expresión creativa del ser, es un elemento fundamental de nuestra cultura y nuestra historia sin embargo, son centenares, o probablemente miles, las obras que han sido agredidas y destruidas a lo largo de los siglos empezando por la antigua Grecia.  

Esta exposición recoge  obras perdidas de algunos de los artistas más destacados del último siglo pero si queréis saber más sobre la destrucción del arte, agresiones a grandes obras de arte contemporáneo, las motivaciones y perfiles de los agresores, os recomendamos este trabajo realizado por unas estudiantes de la Universidad de Barcelona

Y a continuación os dejamos con el artículo sobre la galería virtual:

Tres obras que nunca veremos 
Desde la izquierda , escultura de Freundlich destruida por los nazis, retrato robado de Bacon pintado por Freud y cuadro de Miró desaparecido (Gallery of Lost Art)



Gallery of Lost Art (La galería del Arte Perdido) es una exposición en línea de cuarenta obras de arte del siglo XX que han desaparecido. La muestra virtual, de un año de duración, explora las circunstancias, a veces extraordinarias y a veces banales, en que las piezas se perdieron.

Una nueva obra cada semana

La web, que acaba de ser estrenada con veinte obras en línea e irá creciendo en contenidos a medida que avance el periodo de exhibición, muestra imágenes de archivos, entrevistas, ensayos y un blog. Una nueva obra será añadida cada semana durante los próximos seis meses y los promotores de la idea quieren que la web se convierta en una plataforma de interacción y participación de los usuarios.
La muestra en línea de arte perdido contiene piezas de artistas de primera fila, entre ellos Marcel Duchamp, Joan Miró, Willem de Kooning, Rachel Whiteread,Tracey Emin, Frida Kahlo, Diego Rivera, Francis Picabia, Georges Braque, Kazimir Malevich y Joseph Beuys.

Recorrido por un enorme almacén

La web está diseñada para que el visitante recorra un enorme almacén en el que se irá encontrando con las obras perdidas. A través de ellas se accede a información multimedia sobre cada trabajo, el artista que lo firma, los pormenores de la desaparición de la pieza y otros detalles.
Frida Kahlo había regalado un cuadro luego desaparecido al embajador de Rusia En el tránsito por el espacio virtual podemos encontrar la escultura Large Head (The New Man), de Otto Freundlich, destruida en torno a 1937 por los nazis, que la consideraban una pieza degenerada; el poderoso retrato que Lucien Freud hizo a Francis Bacon en 1952, robado en Berlín en 1988 y del que nunca más se han tenido noticias pese a la cuantiosa recompensa ofrecida por datos sobre su paradero; la tienda de campaña Everyone I Have Ever Slept With 1975-1995, de Tracey Emin, destruida por un incendio en 2004, o el maravilloso y alegórico The Wounded Table, un óleo sobre la muerte pintado en 1940 por Frida Kahlo, que lo regaló al embajador de Rusia en México, se expuso en Polonia en 1955 tras la muerte de la artista y desapareció desde entonces...

La fuente-urinario de Duchamp

En la muestra también aparece una obra del marido de Kahlo, el muralista Diego Rivera, cuyo Hombre en la encrucijada fue mandado a tapar o destruir —no está claro— por el magnate Rockefeller porque incluía un retrato del Lenin; la Fuente-urinario original que Marcel Duchamp expuso bajo seudónimo en 1917, también desaparecida; La Muerte, el enorme cuadro que Miró instaló en el pabellón de España en la Exposición Internacional de París de 1937, del que no se tuvieron noticias tras el desmontaje de la instalación, y el traje de pantalón y chaqueta (Felt Suit) que Joseph Beuys utilizó en su performance Action of the Dead / Isolation Unit in (1970).
La pérdida nos alcanza con su sombra y no somos conscientes Jennifer Mundy, la comisaria de la Gallery of Lost Art ha declarado: "La historia del arte tiende a detenerse en las obras que sobreviven, pero la pérdida también nos alcanza con su sombra de maneras de las que en ocasiones no somos conscientes. Los museos suelen hablarnos de las piezas que tienen en sus colecciones, pero esta muestra se centra en obras significativas que no pueden ser vistas".

"Una nueva forma de ver el arte"

Para Jane Burton, directora creativa de Tate Media, explica que el reto fue contar las historias de algunos objetos de los que apenas quedan nada más que fotos de mala calidad. "El resultado que hemos conseguido es una nueva forma de ver el arte: una web que permite la inmersión en un almacén que los visitantes pueden explorar".

La Gallery of Lost Art, otra de las múltiples iniciativas que se desarrollan en el Reino Unido como complemento de los Juegos Olímpicos, está coordinada artísticamente por la Tate y tiene la colaboración de Channel Four y el Arts and Humanities Research Council. El espectacular diseño de la web es del estudio ISO.



Fuente:  20minutos.es