Cristina Iglesias.

CRISTINA IGLESIAS La escultora española más internacional   Sus obras están presentes en Museos como el Guggenheim, el Pompidou, la Tate Modern o el Reina Sofía, sin olvidarnos del Portón-Pasaje, las puertas en bronce para la ampliación del Museo del Prado. Además ha expuesto sus últimos trabajos en Brasil, Méjico, Sidney, Nueva York, París y Madrid con piezas que exploran lo natural y lo cultural. Cristina Iglesias es sin duda la escultora española más representativa del momento.   Cristina Iglesias, Díptico XVlll, 2008, Serigrafía sobre cobre, 200 x 250 cm. Colección Principal Art  Con su último proyecto titulado Tres Aguas, la artista donostiarrase cerró el año uníendose a la conmemoración del IV Centenario de la muerte del artista el Greco en la ciudad de Toledo.  Su obra permanente se compone de  tres actuaciones que constituyen un auténtico diálogo de la ciudad misma con su río, con el agua que la recorre y la envuelve (Una en la Plaza del Ayuntamiento, en Convento de Santa Clara y en Torre del Agua). Un trabajo que completa una etapa que recoge gran parte de sus preocupaciones de los últimos años en lo que a intervención de espacios públicos se refiere y el más ambicioso de su carrera. Imagen del video "Tres aguas. Proyecto para Toledo". Plaza del Ayuntamiento

No dejes de visitarnos

Entre Tú y Yo de Maite Caramés

Del 22 de mayo al 27 de junio 2014

Comisariada por Silvia Omedes

Entre tú y yo
Diario compartido a lo largo de un año por dos mujeres con un solo deseo: combatir la enfermedad y enfrentarse al miedo. Un valiente viaje por los rincones del alma con una cámara por testigo, que desplega un mapa emotivo a través de retratos, a veces absurdos, dolorosos, cómicos, dulces, llenos de mensajes simbólicos, iconos de una transformación.
A Valerie, 46 años, se le diagnostica cáncer de pecho en marzo de 2013. Tras un largo año y un duro tratamiento, abandona definitivamente la peluca en una montaña de Barcelona como símbolo de victoria y final de trayecto.

Between you and I
 A shared diary kept for a year by two women with the same desire: to battle illness and face fear. A brave journey to the furthest reaches of the soul with a camera as witness, unfolding an emotional map of portraits, by turn absurd, painful, funny and tender, full of symbolic messages that are icons of a transformation.
Valerie, aged 46, was diagnosed with breast cancer in March 2013; after a long year and tough treatment, she was able to give up her wig on a Barcelona hillside as a symbolic victory and journey’s end.




Más información/More information

Exposición KINO ACOSTA

Del 13 de marzo al 10 de abril la galería Principal Art presenta la primera exposición en Barcelona del fotógrafo Kino Acosta, con una selección de los trabajos realizados en los últimos años. La muestra recoge un total de 11 fotografías de gran formato a través de los cuales el artista nos transporta a diferentes rincones del mundo; Praga, Panamá, Venecia o Galicia son algunos de los escenarios que han inspirado sus creaciones.

La fotografía de Acosta parte de espacios abiertos, paisajes naturales o bien estructuras arquitectónicas. Su trabajo nos acerca a su entorno inmediato, a la realidad que nos rodea para centrarse en el detalle con precisión y sutileza. En fotografías como “Venecia” realiza un original estudio compositivo a través del montaje fotográfico digital, presentando la imagen como un mosaico formado por los diferentes disparos de un mismo plano. El resultado es un escenario que reconduce nuestra mirada hacia todos los rincones analizando cada textura, tonalidad y forma.  

Kino Acosta nació en Madrid en 1974 aunque su vida ha transcurrido entre  España, Nueva York y Miami, ciudades en las que se ha formado como fotógrafo. Tras dejar su profesión como piloto comercial para dedicarse únicamente al la fotografía ha expuesto en varias galerías y  ha colaborado en diversas ocasiones en publicaciones de diseño, interiorismo, decoración, arquitectura y arte en España, México y Estados Unidos.

Inauguración jueves 13 a las 19h
Lugar:
Principal Art
Enric Granados 9
08007 Barcelona

Artmadrid 2014 

Del 19 al 23 de febrero

 

Artmadrid'14 abre hoy sus puertas y Principal Art participa un año más en la feria de arte contemporáneo. La Galería de Cristal del Palacio de Cibeles será el escenario de la 9º edición de Art Madrid. La nueva sede con sus 2.800m2 acogerá a cincuenta galerías de arte contemporáneo, arte emergente y vanguardias históricas. 

 

Para esta nueva edición Principal Art presenta una selección de pintura y fotografía de artistas de renombre como Botero, Miró, Tàpies, Hsiao Chin, Zhang Huan o Plensa. Y los últimos trabajos de los artistas Javier Úbeda y Kino Acosta.


Os esperamos!!

El IVA del arte baja al 10%

EXTRA,  EXTRA...!!!

El Gobierno ha anunciado este viernes una rebaja del 21 al 10% el IVA en "las entregas de objetos de arte", según ha anunciado la vicepresidenta del Ejecutivo, Soraya Sáez de Santamaría, durante la rueda de prensa posterior al Consejo de Ministros.

Según ha explicado, con esta medida se pretende equiparar a España a otros países europeos de la Unión Europea, como Alemania o Italia, donde este porcentaje ronda el 10%. La rebaja, en cualquier caso, no se aplica directamente al precio de venta al público, sino a la 'primera transacción', la que va del artista al galerista. 

Se trata de "una medida de apoyo" a autores de pinturas, galerías coleccionistas, anticuarios y marchantes, entre otros. ¿Habrá medidas semejantes en el IVA que se aplica al teatro y al cine? Preguntada en la rueda de prensa, la vicepresidenta anunció que "éste es un primer paso".

Hace dos semanas, la revista 'Art Market Insight', una de las mayores bases de datos, presentó su informe bienal sobre el mercado del arte global, y juzgó la situación en España como "caso catastrófico", a pesar de reconocer que el país tiene un buen potencial de creación artística y de canales mercantiles. 

Miguel Cereceda, del Instituto de Arte Contemporáneo, ha sido el primero en celebrar la decisión del Gobierno. Cereceda, uno de los interlocutores del Gobierno durante las negociaciones que han precedido a la rebaja (junto a él, Manuel Borja Villel, Alberto de Juan y Juan Urroz), explica que la medida era una condición necesaria para que las galerías españolas fueran competitivas en el contexto europeo, ya que sus competidoras francesas, por ejemplo, sólo tributan un IVA del 5% por sus ventas.

Las negociaciones, por cierto, han ido en paralelo a las de los representantes del cine y del espectáculo pero la solución se ha precipitado porque "es mucho más dramático económicamente que el precio de una obra de arte pase de costar 70.000 euros a 90.000 a que una entrada de cine pase de siete a nueve", según ha explicado el galerista Alberto de Juan.

 

Fuente: elmundo.es

Victoria Campillo gana el premio ARTFAD de oro 2013

 "Horts" es un proyecto de fotografías de barracas de fabricación artesanal, construidas con materiales encontrados, reciclados y rudimentarios. Una interesante fusión entre arquitectura efímera y arte, que nos presenta estableciendo relación entre cada barraca y un artista contemporáneo. 

“Desde la mirada de artista, el arte está en todas partes”, explica la autora, Victoria Campillo. En la exposición “El mejor diseño del arte”, donde se exponen las obras finalistas de los ARTFAD, se pueden ver cuatro fotografías de la serie “Horts”: Paul Klee, Joan Miró, Eduardo Chillida y Antoni Tàpies. El jurado ha valorado de esta obra “la analogía que se establece entre la memoria artística y realidades ajenas al mundo del arte”. El premio ARTFAD de Plata se ha otorgado a la obra Haiku Tea Dress (Vestido de Té Haiku), de la artista Cynthia Fusillo. Se trata de un vestido realizado con bolsas de té, papel, té, hilo, arena y pelo. El jurado ha valorado ”la sensibilidad narrativa y la fragilidad de los materiales utilizados”.

Publicado por: Carolina Russo en ARQA

OTRAS OBRAS DE VICTORIA CAMPILLO EN PRINCIPAL ART

Serie tazas de te

Serie Pigs

Último día. Ya la has visitado?

Hoy finaliza la exposición de Javier Úbeda "Viaje con retorno"

En estos días de gran dificultad para el sector del arte en general y de las galerías en concreto, queremos agradecer el interés mostrado por esta exposición que sin duda ha despertado la curiosidad de coleccionistas, críticos de arte, periodistas, fundaciones y el de un gran público en general. Definitivamente los Mundos interiores de Javier Úbeda no ha dejado a nadie indiferente.

Os dejamos con el último número de la revista Tendencias del mercado del Arte que define la obra de este artista como escultura no referencial que juega con el hueco y el vacio (...)

Tendencias del mercado del Art, Nª65

Javier Úbeda en La Vanguardia

Este domingo ha salido publicado en La Vanguardia un artículo del periodista C. García-Osuna en el que relata sus impresiones sobre la obra expuesta en Principal Art del artista Javier Úbeda.

Viaje con retorno de Javier Úbeda

Ya sólo queda ultimar los últimos detalles para la inauguración 

de la nueva exposición, Viaje con retorno que reúne 

los últimos trabajos del artista Javier Úbeda.

En esta entrada os ofrecemos una breve entrevista al artista donde nos explica el porqué de sus obras, de sus mundos interiores, que dan lugar a sus esculturas llenas de formas dinámicas y harmónicas.

 

LOS MUNDOS INTERIORES

Un mundo interior es la manifestación del criterio personal. En el transcurso de la vida de una persona suceden mil cosas, tienes mil condicionantes que se han de pasar por tu criterio personal y para ello lo primero has de tomar distancia y aceptar lo que te ha sucedido eso se encarna en la recta y lo que quiere ser se encarna en la curva.

¿Por qué haces mundos interiores?

El sentimiento que me produce el trabajar los mundos interiores es sabor de vida, comunicándome con ella, vida en definitiva. Trabajo la curva porque es lo que se me asemeja más al orgánico, tanto al cuerpo humano como así visualizo los pensamientos, mi trabajo es fundamentalmente curva, ya que no tiene ni principio ni fin, el círculo es la forma perfecta.
Todo aquello que tu retina ha memorizado se enmarca en la rectitud externa de mis obras. No existe el autor que nazca de cero, el que presume de lo contrario es un iluso.

¿Cuál es el proceso de creación?
El proceso de creación del mundo interior parte de una existencia que es el bloque enmarcado por la rectitud, el cual representa, el momento histórico en el que naciste, tu familia, tu educación….todos los condicionantes que te han ido marcando y formando a lo largo de tu vida y que son inamovibles y no puedes cambiar; marcando de una forma evidente tu yo , sin ello quiera decir que no puedas modificar lo que eres hoy, pero tiene una evolución continua en tu interior, un aprender, un desaprender, un hacer…estos son los pasos, las curvas, los cóncavos, los convexos que configuran lo que es la pieza interna.

¿Cuál es el origen de la creación de los mundos interiores?
Los mundos interiores son básicamente, búsquedas de punto de luz, a partir de la experiencia de estar clínicamente muerto, que viví a la edad temprana de 14 años, sin buscarlo me dejó una marca de por vida, al pasar por el túnel con la luz al final en el fondo, que no es más que un vía de comunicación de un estado con otro, y lo que persigo siempre a la hora de hacer agujeros son pasos, son vías de comunicación por eso difícilmente son rectos, ya que a la vez que tienen forma de óvalo también tienen curvas interiores de búsqueda, de ver la parte de atrás, de ver lo que hay, casi forzando al espectador a que gire la cabeza y que se tenga que aproximar a la pieza si quiere descubrir lo que esconde la mal llamada parte de atrás.

Más sobre Javier Úbeda

      

Prorrogamos la exposición hasta el día 28 de mayo

Dada la buena acogida que está teniendo la exposición de fotografía "Una foto y una educación para la vida" prorrogamos hasta el día 28 de mayo. Aprovechamos la ocasion para dejaros algunas imágenes más de esto días y de las obras expuestas.

Y recordad que todos los beneficios son para el nuevo proyecto de la Escola Waldorf, El Til·ler

La modelo Edita Vilkeviciute en Principal Art junto a la fotografía de Bèla Adler donde aparece tocando el piano

 Fotografía de Sara Janini

Iggy Pop de Xevi Muntané

Fotografía de Jordi Esteve

Gran Inaguración "Una foto y una educación para la vida"

Tal y como anunciábamos en el anterior post, el pasado 9 de mayo se inaguró la exposición "Una foto y una educación para la vida". Al evento acudieron más de 300 personas y esa misma tarde se celebró con gran éxito la subasta benéfica de las obras cedidas por 50 fotógrafos de renombre. 

Desde Principal Art queremos agradecer el gran interés y participación de mostrado por todos!

Y para aquellos que todavía no hayan tenído la oportunida, os invitamos a verla hasta el miércoles 15.

  

Inaguración  de la exposición

Subasta benéfica

Principal Art

UNA FOTO Y UNA EDUCACION PARA LA VIDA

El próximo 9 de Mayo la galería Principal Art de Barcelona inaugura una exposición que reúne el trabajo de importantes nombres de la fotografía española contemporánea. Un viaje a través de la creatividad en el que se podrá disfrutar del trabajo de nombres como Antoni Bernard, Txema Yeste, Sergi Pons, Joan Tomas, Bèla Adler y Salvador Fresneda, Gregori Civera, Cesar Lucadamo, Anna Malagrida y Mathieu Pernot, Jai Lennard y Victoria Campillo entre otros profesionales de las cámaras. 

El proyecto promovido por los fotógrafos Cesar Lucadamo y Bèla Adler y el comisario Victor Cortina cuenta con Vanessa Lorenzo, Veronica Blume y Edita Vilkeviciute como madrinas. La iniciativa nace con el objetivo de hacer realidad la ampliación de la escuela Waldorf El Til.ler de Bellaterra que desde 2005 cubre las etapas de escuela infantil y educación primaria. Por ello los trabajos expuestos durante la muestra podrán adquirirse para recaudar fondos con los que apoyar la construcción del nuevo edifico en el que los más de 170 niños que asisten en la actualidad al centro Waldorf de Bellaterra puedan continuar su aprendizaje en los ciclos de secundaria y bachillerato. Poder asi homologarlo y dar los pasos para convertirla en una escuela pública y que más niños tengan la posibilidad de educarse en esta maravillosa pedagogía. Por otra parte en el nuevo edificio, dotado de mayor espacio podrá tener cabida la cada vez mayor demanda de familias interesadas en que sus hijos asistan al centro.  

  

El método pedagógico Waldorf fue fundado por el filósofo alemán Rudolf Steiner en los inicios del siglo XX. Se basa en sus estudios sobre el ser humano desde el punto de vista físico, psicológico y espiritual. Las escuelas Waldorf están reconocidas a nivel mundial por desarrollar en los niños sus capacidades latentes, de manera que en la edad adulta sean capaces de tener iniciativa y buscar soluciones creativas a los retos de la sociedad que les rodea. Su filosofía vuelca su interés en formar personas saludables física y emocionalmente con una pedagogía enfocada en cultivar la esencia única e irrepetible que cada individuo lleva en su interior.

Las escuelas Waldorf aparecen en los inicios del SXX y en la actualidad existen más de 2000 centros de educación primaria, secundaria y bachillerato y más de 1.900 escuelas de educación infantil en 90 países de todo el mundo.

En España Waldorf llega una vez instaurada la democracia y en la actualidad cuenta con una veintena de centros.

Nueva Feria: ArtMadrid Maestros

Siguiendo el ejemplo de otras ferias, que separan el arte contemporáneo del realizado en los siglos XIX y XX, como sucede con The Armory Show o Frieze, Art Madrid ha presentado su nuevo proyecto Art Madrid Maestros, que pretende integrar a los artistas comprendidos dentro del movimiento artístico conocido como arte moderno en un espacio contemporáneo.

Art Madrid Maestros reunirá del 24 al 28 de abril una selección de pintura, escultura y artes decorativas del siglo XIX y, preferentemente, hasta la década de los 70 del XX, incluyendo Art Nouveau, Art Decó y Vanguardias históricas.

La feria, según se informa en un comunicado, "pretende responder a las necesidades de los coleccionistas, que buscan calidad y concentración, y romper las barreras entre el arte académico del siglo XIX y el de la irrupción y desarrollo de las vanguardias en las primeras siete décadas del siglo XX".

Nuevos coleccionistas

Además se realizará un recorrido en el que estarán seleccionadas diferentes obras con un precio inferior a 3.000 euros, con el objeto de acercar al mundo del arte moderno a los nuevos coleccionistas. La selección será realizada por cada expositor y estará señalizada con un distintivo fácilmente reconocible por el público.

Con esta nueva feria, la organización también pretende completar la oferta de Art Madrid Contemporáneo (en sus convocatorias de febrero y noviembre).

OS ESPERAMOS!!

Fallece el escultor Andreu Alfaro

Principal Art quiere  expresar sus condolencias a la familia y lamenta el fallecimiento de un gran escultor pero sobretodo buen amigo.

 

 Andreu Alfaro, el prolífico escultor de las geometrías de acero y aluminio o las columnas de mármol, falleció anoche en Valencia tras varios años apartado de la vida pública por problemas de salud.

Con una obra que supera los dos millares de esculturas, buena parte de ellas repartidas por espacios públicos del mundo, Alfaro fue uno de los escultores españoles contemporáneos más sobresalientes sin abandonar Valencia, donde nació en 1929 y por donde logró pasar inadvertido pese a su importancia de haber sido uno de los primeros en recuperar la modernidad tras el socavón que produjo la Guerra Civil en la producción artística española.

El escultor, que fue asimismo un delicado dibujante, surgió de un entorno que lo predisponía a continuar el negocio cárnico familiar en el que, antes de ir al colegio, había que afilar cuchillos y dar de comer a los cerdos. Alfaro aprovechó esas brechas e hizo el complicado tránsito del mundo productivo al creativo sin desconectarse de la raíz ni perder la perspectiva que le había conferido el duro aprendizaje de la vida; es decir, aplicando la racionalidad a la creatividad. Ese mestizaje, unido a la pulcritud, le permitió sustanciar bellezas de gran elegancia que no solo satisfacen a los más exigentes catadores de códigos, sino que conforman muchos paisajes colectivos.

En 2007 el IVAM, del que fue impulsor y autor del logotipo, mostró una antología de sus 50 años de esculturas. Alfaro, a quien Raimon definió como torsimany de metalls (traductor de metales), ya había dado por concluida su producción.

Figura reconocida internacionalmente, Alfaro recibió en 1980 el Premio de Honor Jaime I; un año más tarde el Premio Nacional de Artes Plásticas, y en 1991 el Premio Alfons Roig de Artes Plásticas.

Artista de trayectoria cambiante y diversificada, Alfaro mantuvo, no obstante, ciertas concepciones básicas tales como la asimilación en la creación artística de la metodología de los procesos y materiales industriales, y el convencimiento de que la escultura debía servir para simbolizar actitudes o argumentos colectivos. Prueba de ello son sus grandes esculturas que, construidas a escalas sorprendentes y con vocación de integrarse en los espacios públicos como verdaderos monumentos colectivos, se encuentran en numerosas ciudades, entre ellas Madrid, donde su obra Puerta de la Ilustración, formada por arcos de acero inoxidable, cruza la avenida de la Ilustración.

En Valencia su obra puede comtemplarse en diferentes espacios como el aeropuerto, la Estació del Nord y la avenida de Aragón. En Barcelona sus esculturas también están presentes, como la del Mil.lenari junto al aeropuerto, y en Nueva York en la fachada del Banco de Santander o en varias ciudades alemanas.

Fuente: El País


Andreu Alfaro en Principal Art

Andreu Alfaro fue uno de los impulsores del Grupo Parpalló en 1958 que defendía la tesis constructivista dentro de una proyección ideal de integración vanguardista de las artes a las que no era ajeno el compromiso político. Quienes han estudiado la obra del artista reconocen las influencias de los contructivistas rusos y Oteiza como nombres indiscutibles a los que vincular su camino creativo.

La galería Principal Art realizó en 2007 una exposición del artista que reunía diecisiete obras detadas entre 1958 y 1992. Entre ellas Caminos de libertad, una pieza de acero inoxidable de 1961 construida con la convergencia de tres piezas que tienen una condición aérea como si el artista quisiera hacer una metáfora sobre la imposibilidad de hallar en nuestra piel de toro ese sustrato fundamental para la vida humana que habría que buscarlo en las estrellas.

Andreu Alfaro  

A punt, 1974

Latón 

57 x 57 x 20 cm

Art Bites 35. Ximo Lizana

Ximo Lizana nació en Huesca 1976 donde comenzó sus estudios en la Escuela de Arte. Licenciado en Bellas Artes en 2002 por la Universidad Politécnica de Valencia, Ximo es un artista multidisciplinario que desarrolla su creatividad en el campo de las nuevas tecnologías como la robótica, hologramas, fotografía, retoque, etc.

Ximo Lizana  was born in Huesca 1976, where he began his studies at the Art School. Bachelor of Fine Arts in 2002 from the Polytechnic University of Valencia, Ximo is a multidisciplinary artist who develops his creativity in the field of new technologies such as robotics, holograms, photography, retouching, etc..

Ximo Lizana en el IVAM

Courtesy Abelard Comes

A lo largo de su carrera ha realizado numerosas exposiciones proyectos nacionales e internacionales (España, Francia, México, EE.UU., ...), y actualmente su obra se encuentra en más de 50 colecciones de arte de todo el mundo.

Throughout his career he has had numerous exhibitions and national and international projects (Spain, France, Mexico, USA ...), and he is in more than 50 art collections in worldwide.

Ximo Lizana 

Autoretrato del Ángel Negro 

Fotografia 

Os presentamos Autoretrato del Ángel Negro, una fotografía en la que une elementos de la fotografía artística convencional con técnicas avanzadas de la imagen sintética (realizadas con técnicas 3D como el ray-tracing por ejemplo). Esta obra de textura eléctrica representa a un ángel negro. Según la leyenda, cuando un ángel llora lágrimas de sangre, su alma y sus ojos se oscurecen. Se transforma en ángel negro y se queda de esa forma hasta que encuentre la luz.

We show you Autoretrato del Angel Negro (Selfprotrait of the Black Angel), a photograph that combines elements of conventional artistic photography with advanced synthetic image settings (made ​​with 3D techniques such as ray-tracing for example). This work with electric texture represents a black angel. According to legend, when an angel cries tears of blood, his soul and his eyes darken. The angel becomes black and stay that way until he finds the light again.

 

Competiciones de arte formaban parte de Juegos Olímpicos

Pierre Courbetin

El arte también formó parte de las competencias en los Juegos Olímpicos desde el año 1912 a 1948. La competición consistía en crear trabajos artísticos que se inspirasen en el deporte. El francés Pierre de Coubertin constituyó el Comité Olímpico Internacional con la finalidad de combinar el deporte y el arte. El educador pretendía cumplir la máxima clásica: “Mente sana, cuerpo sano”.

En 1906, Coubertin propuso organizar competencias de arte dentro del marco de los Juegos Olímpicos. Las competiciones olímpicas se dividirían en las áreas de Arquitectura, Literatura, Música, Pintura y Escultura.

En los Juegos Olímpicos de 1912, en Estocolmo (Suecia), se concretó la propuesta de Coubertin. Solo 35 participantes enviaron sus trabajos y algunos conquistaron medallas de oro en las diversas categorías. En las Olimpiadas de Parías en 1924, la competición artística adquirió mayor relevancia donde alrededor de 193 artistas presentaron sus trabajos. De igual forma, en Amsterdan de 1928,  la expectativa fue mayor cuando se presentaron más de mil 100 trabajos en el Museo Stedelijk de esa ciudad.

La participación de artistas se descontinuó luego de las Olimpiadas número 49 que se realizó en Atenas. Los miembros votaron para que estas competiciones del arte se lleven a cabo fuera de las competiciones deportivas.

Este tipo de Olimpiadas  se dejaron de realizar desde que el Programa Cultural Olímpico organizó la competencia deportiva. A partir de ese momento, se buscó que solo deportistas profesionales participen en los juegos.



Fuente: Rpp Noticias

ADIOS AL IVA CULTURAL

Nos gustaría que nuestro último post antes del periodo vacacional fuera portador de otro tipo de novedades pero la realidad es que las últimas medidas fiscales adoptadas por el Gobierno han provocado verdadera crispación en el mundo del arte.
Para supuestamente garantizar la estabilidad presupuestaria y el fomento de la competividad, se han modificado los tipos impositivos del IVA pasando el tipo impositivo general del 18% al 21% y el tipo impositivo reducido del 8% al 10% mediante el Real Decreto-Ley 20/2012 de 13 de julio.
Esta subida del IVA, que se aplicará a partir del 1 de septiembre, ha resultado espectacular en el sector del arte ya que:

1º- Hasta ahora, los artistas que vendían la obra que producían sin intermediación de un tercero lo hacían con un IVA reducido del 8%. A partir de septiembre deberán vender sus obras con un 21% de IVA lo que supone una subida de golpe de 13 puntos.

2º- Los galeristas que hasta ahora vendían las obras con un IVA del 18% lo deberán hacer a partir de septiembre al 21%

3º- Las importaciones de obras de arte y las adquisiciones intracomunitarias que hasta ahora tenían un IVA reducido del 8% pasan al tipo general del 21%

4º- Además, las retenciones a cuenta del Impuesto de la Renta de las Personas Físicas suben del 15% al 19%

La repercusión negativa que estas medidas causarán en el arte y en la cultura en general son enormes. Para empezar, supondrá una paralización de las ventas y de las importaciones de obras de arte en nuestro país situándonos en una posición de clara inferioridad respecto a otros países de nuestro entorno que aplican tipos como el del 5% en Inglaterra.

Por otro lado, supone por parte del Gobierno un total desconocimiento del funcionamiento del sector y desprecio hacia el mundo del arte. Como nos decía un artista hace unos días “si consideran el arte como un artículo de lujo es que no han entendido nada”. El acceso a la cultura es un derecho constitucionalmente reconocido. Además, tal y como dice la galerista y coleccionista Juana de Aizpuru “Si piensan recaudar más, que equivocados están”.

 

Fuente: Beatriz Niño, Blog de Nial Art Law

Novedades Julio. La obra gráfica de grandes artistas.

Exposición de Picasso en el British Museum 
Picasso exhibition at the British Museum

El British Museum presenta hasta el 2 de septiembre la exposición Picasso, La Suite Vollard. El museo londinense ha adquirido cien grabados producidos por el artista entre 1930 y 1937, obras que nunca han sido expuestas anteriormente. Esta exposición pone de relieve dos temas significativos: la relación de Picasso con su modelo Marie-Thérèse y su compromiso con la escultura clásica. 

The British Museum presents until 2nd September, the exhibition Picasso, The Vollard Suite. The museum has acquired one hundred prints produced by the artist between 1930 and 1937, works that have never been exhibited before. This exhibition highlights two significant subjects: Picasso's relationship with his model Marie-Thérèse and its commitment to classical sculpture.

Catálogo de la exposición
Coppel Stephen, Picasso. The Complete Vollard Suite prints, 2012, Ed. British Museum

Principal Art en obra gráfica
Graphic works from Principal Art

Alexander Calder era famoso por sus esculturas pero no se ha de ocultar su obra gráfica. De hecho, se nota un renovado interés por su obra gráfica en los últimos años como lo demuestra su puntuación en el mercado del arte. Al igual que Calder, la producción de grabados y serigrafías de Antoni Tàpies fue sin duda mucho menos conocida que su obra plástica. Sin embargo, desde 1947, el artista desarrolló una intensa actividad en el campo de la obra gráfica. También, realizó muchas portadas de libros en colaboración con escritores y poetas. 

Alexander Calder was famous for his sculptures but it should not forget his prints. In fact, there is a renewed interest in his artwork in recent years as evidenced by their scores on the art market. Like Calder, the production of engravings and prints by Antoni Tàpies was certainly much less known than his work of paintings. However, since 1947, the artist was very active in the field of graphic art. Also, he realized many covers of books in collaboration with writers and poets.

Joan Miró empezó a experimentar con el grabado y la litografía hacia los años treinta cuando realizó sus primeras litografías para el libro El árbol de los viajadores, de Tzara con quien colaboró a partir de entonces. A partir de 1948, Miró trabajó con abundancia la obra gráfica y litográfica en distintos talleres de París y Barcelona. También el escultor Eduardo Chillida realizó numerosas obras gráficas y ha recibido muchos premios por sus grabados (aguafuertes). Sus obras sobre papel son una parte importante de su creación. Con la tinta, lápiz, o a través de la técnica del grabado, sus obras siguen el mismo principio que sus esculturas.

Joan Miró began experimenting with etching and lithography in the '30s when he made his first lithographs for the book The Tree of the travelers, with Tzara who collaborated with the artist thereafter. Since 1948, Miró worked profusely lithographic and printmaking in various workshops in Paris and Barcelona. The sculptor Eduardo Chillida also made numerous graphic works and has received many awards for his etchings. His works on paper are an important part of the creation. With the ink, pencil, or through engraving techniques, his works follow the same concept as his sculptures.

 ArtNews ya ha publicado la lista con los 200 coleccionistas más importantes del mundo del 2012. Este año sólo aparecen incluidos dos españoles.

 ArtNews has named its top 200 art collectors in the world of 2012. This year only two Spanish collectors are included.

Una galería virtual exhibe 40 grandes obras de arte destruidas, robadas, rechazadas, perdidas...

El pasado día 5 de marzo, la publicación 20minutos.es anunciaba la inauguración de una galería virtual albergada por la Tate Gallery, en la que se reúnen más de 40 grandes obras desaparecidas. 

Queremos compartir con vosotros la noticia ya que nos ha sorprendido gratamente tanto por su originalidad como por su trascendencia. 

El arte, como expresión creativa del ser, es un elemento fundamental de nuestra cultura y nuestra historia sin embargo, son centenares, o probablemente miles, las obras que han sido agredidas y destruidas a lo largo de los siglos empezando por la antigua Grecia.  

Esta exposición recoge  obras perdidas de algunos de los artistas más destacados del último siglo pero si queréis saber más sobre la destrucción del arte, agresiones a grandes obras de arte contemporáneo, las motivaciones y perfiles de los agresores, os recomendamos este trabajo realizado por unas estudiantes de la Universidad de Barcelona

Y a continuación os dejamos con el artículo sobre la galería virtual:

 
Desde la izquierda , escultura de Freundlich destruida por los nazis, retrato robado de Bacon pintado por Freud y cuadro de Miró desaparecido (Gallery of Lost Art)

Gallery of Lost Art (La galería del Arte Perdido) es una exposición en línea de cuarenta obras de arte del siglo XX que han desaparecido. La muestra virtual, de un año de duración, explora las circunstancias, a veces extraordinarias y a veces banales, en que las piezas se perdieron.

Una nueva obra cada semana

La web, que acaba de ser estrenada con veinte obras en línea e irá creciendo en contenidos a medida que avance el periodo de exhibición, muestra imágenes de archivos, entrevistas, ensayos y un blog. Una nueva obra será añadida cada semana durante los próximos seis meses y los promotores de la idea quieren que la web se convierta en una plataforma de interacción y participación de los usuarios.

La muestra en línea de arte perdido contiene piezas de artistas de primera fila, entre ellos Marcel Duchamp, Joan Miró, Willem de Kooning, Rachel Whiteread,Tracey Emin, Frida Kahlo, Diego Rivera, Francis Picabia, Georges Braque, Kazimir Malevich y Joseph Beuys.

Recorrido por un enorme almacén

La web está diseñada para que el visitante recorra un enorme almacén en el que se irá encontrando con las obras perdidas. A través de ellas se accede a información multimedia sobre cada trabajo, el artista que lo firma, los pormenores de la desaparición de la pieza y otros detalles.

Frida Kahlo había regalado un cuadro luego desaparecido al embajador de Rusia En el tránsito por el espacio virtual podemos encontrar la escultura Large Head (The New Man), de Otto Freundlich, destruida en torno a 1937 por los nazis, que la consideraban una pieza degenerada; el poderoso retrato que Lucien Freud hizo a Francis Bacon en 1952, robado en Berlín en 1988 y del que nunca más se han tenido noticias pese a la cuantiosa recompensa ofrecida por datos sobre su paradero; la tienda de campaña Everyone I Have Ever Slept With 1975-1995, de Tracey Emin, destruida por un incendio en 2004, o el maravilloso y alegórico The Wounded Table, un óleo sobre la muerte pintado en 1940 por Frida Kahlo, que lo regaló al embajador de Rusia en México, se expuso en Polonia en 1955 tras la muerte de la artista y desapareció desde entonces...

La fuente-urinario de Duchamp

En la muestra también aparece una obra del marido de Kahlo, el muralista Diego Rivera, cuyo Hombre en la encrucijada fue mandado a tapar o destruir —no está claro— por el magnate Rockefeller porque incluía un retrato del Lenin; la Fuente-urinario original que Marcel Duchamp expuso bajo seudónimo en 1917, también desaparecida; La Muerte, el enorme cuadro que Miró instaló en el pabellón de España en la Exposición Internacional de París de 1937, del que no se tuvieron noticias tras el desmontaje de la instalación, y el traje de pantalón y chaqueta (Felt Suit) que Joseph Beuys utilizó en su performance Action of the Dead / Isolation Unit in (1970).

La pérdida nos alcanza con su sombra y no somos conscientes Jennifer Mundy, la comisaria de la Gallery of Lost Art ha declarado: "La historia del arte tiende a detenerse en las obras que sobreviven, pero la pérdida también nos alcanza con su sombra de maneras de las que en ocasiones no somos conscientes. Los museos suelen hablarnos de las piezas que tienen en sus colecciones, pero esta muestra se centra en obras significativas que no pueden ser vistas".

"Una nueva forma de ver el arte"

Para Jane Burton, directora creativa de Tate Media, explica que el reto fue contar las historias de algunos objetos de los que apenas quedan nada más que fotos de mala calidad. "El resultado que hemos conseguido es una nueva forma de ver el arte: una web que permite la inmersión en un almacén que los visitantes pueden explorar".

La Gallery of Lost Art, otra de las múltiples iniciativas que se desarrollan en el Reino Unido como complemento de los Juegos Olímpicos, está coordinada artísticamente por la Tate y tiene la colaboración de Channel Four y el Arts and Humanities Research Council. El espectacular diseño de la web es del estudio ISO.

Fuente:  20minutos.es