viernes, 14 de diciembre de 2012

Fallece el escultor Andreu Alfaro

Principal Art quiere  expresar sus condolencias a la familia y lamenta el fallecimiento de un gran escultor pero sobretodo buen amigo.



 

 Andreu Alfaro, el prolífico escultor de las geometrías de acero y aluminio o las columnas de mármol, falleció anoche en Valencia tras varios años apartado de la vida pública por problemas de salud.
Con una obra que supera los dos millares de esculturas, buena parte de ellas repartidas por espacios públicos del mundo, Alfaro fue uno de los escultores españoles contemporáneos más sobresalientes sin abandonar Valencia, donde nació en 1929 y por donde logró pasar inadvertido pese a su importancia de haber sido uno de los primeros en recuperar la modernidad tras el socavón que produjo la Guerra Civil en la producción artística española.

El escultor, que fue asimismo un delicado dibujante, surgió de un entorno que lo predisponía a continuar el negocio cárnico familiar en el que, antes de ir al colegio, había que afilar cuchillos y dar de comer a los cerdos. Alfaro aprovechó esas brechas e hizo el complicado tránsito del mundo productivo al creativo sin desconectarse de la raíz ni perder la perspectiva que le había conferido el duro aprendizaje de la vida; es decir, aplicando la racionalidad a la creatividad. Ese mestizaje, unido a la pulcritud, le permitió sustanciar bellezas de gran elegancia que no solo satisfacen a los más exigentes catadores de códigos, sino que conforman muchos paisajes colectivos.
En 2007 el IVAM, del que fue impulsor y autor del logotipo, mostró una antología de sus 50 años de esculturas. Alfaro, a quien Raimon definió como torsimany de metalls (traductor de metales), ya había dado por concluida su producción.

Figura reconocida internacionalmente, Alfaro recibió en 1980 el Premio de Honor Jaime I; un año más tarde el Premio Nacional de Artes Plásticas, y en 1991 el Premio Alfons Roig de Artes Plásticas.
Artista de trayectoria cambiante y diversificada, Alfaro mantuvo, no obstante, ciertas concepciones básicas tales como la asimilación en la creación artística de la metodología de los procesos y materiales industriales, y el convencimiento de que la escultura debía servir para simbolizar actitudes o argumentos colectivos. Prueba de ello son sus grandes esculturas que, construidas a escalas sorprendentes y con vocación de integrarse en los espacios públicos como verdaderos monumentos colectivos, se encuentran en numerosas ciudades, entre ellas Madrid, donde su obra Puerta de la Ilustración, formada por arcos de acero inoxidable, cruza la avenida de la Ilustración.
En Valencia su obra puede comtemplarse en diferentes espacios como el aeropuerto, la Estació del Nord y la avenida de Aragón. En Barcelona sus esculturas también están presentes, como la del Mil.lenari junto al aeropuerto, y en Nueva York en la fachada del Banco de Santander o en varias ciudades alemanas.

Fuente: El País


Andreu Alfaro en Principal Art

Andreu Alfaro fue uno de los impulsores del Grupo Parpalló en 1958 que defendía la tesis constructivista dentro de una proyección ideal de integración vanguardista de las artes a las que no era ajeno el compromiso político. Quienes han estudiado la obra del artista reconocen las influencias de los contructivistas rusos y Oteiza como nombres indiscutibles a los que vincular su camino creativo.

La galería Principal Art realizó en 2007 una exposición del artista que reunía diecisiete obras detadas entre 1958 y 1992. Entre ellas Caminos de libertad, una pieza de acero inoxidable de 1961 construida con la convergencia de tres piezas que tienen una condición aérea como si el artista quisiera hacer una metáfora sobre la imposibilidad de hallar en nuestra piel de toro ese sustrato fundamental para la vida humana que habría que buscarlo en las estrellas.





Andreu Alfaro  
A punt, 1974
Latón 
57 x 57 x 20 cm



miércoles, 19 de septiembre de 2012

Art Bites 35. Ximo Lizana




Ximo Lizana nació en Huesca 1976 donde comenzó sus estudios en la Escuela de Arte. Licenciado en Bellas Artes en 2002 por la Universidad Politécnica de Valencia, Ximo es un artista multidisciplinario que desarrolla su creatividad en el campo de las nuevas tecnologías como la robótica, hologramas, fotografía, retoque, etc.


Ximo Lizana  was born in Huesca 1976, where he began his studies at the Art School. Bachelor of Fine Arts in 2002 from the Polytechnic University of Valencia, Ximo is a multidisciplinary artist who develops his creativity in the field of new technologies such as robotics, holograms, photography, retouching, etc..

Ximo Lizana en el IVAM
Courtesy Abelard Comes




A lo largo de su carrera ha realizado numerosas exposiciones proyectos nacionales e internacionales (España, Francia, México, EE.UU., ...), y actualmente su obra se encuentra en más de 50 colecciones de arte de todo el mundo.


Throughout his career he has had numerous exhibitions and national and international projects (Spain, France, Mexico, USA ...), and he is in more than 50 art collections in worldwide.

Ximo Lizana 
Autoretrato del Ángel Negro 
Fotografia 

Os presentamos Autoretrato del Ángel Negro, una fotografía en la que une elementos de la fotografía artística convencional con técnicas avanzadas de la imagen sintética (realizadas con técnicas 3D como el ray-tracing por ejemplo). Esta obra de textura eléctrica representa a un ángel negro. Según la leyenda, cuando un ángel llora lágrimas de sangre, su alma y sus ojos se oscurecen. Se transforma en ángel negro y se queda de esa forma hasta que encuentre la luz.

We show you Autoretrato del Angel Negro (Selfprotrait of the Black Angel), a photograph that combines elements of conventional artistic photography with advanced synthetic image settings (made ​​with 3D techniques such as ray-tracing for example). This work with electric texture represents a black angel. According to legend, when an angel cries tears of blood, his soul and his eyes darken. The angel becomes black and stay that way until he finds the light again.



 

lunes, 30 de julio de 2012

Competiciones de arte formaban parte de Juegos Olímpicos


Pierre Courbetin

El arte también formó parte de las competencias en los Juegos Olímpicos desde el año 1912 a 1948. La competición consistía en crear trabajos artísticos que se inspirasen en el deporte. El francés Pierre de Coubertin constituyó el Comité Olímpico Internacional con la finalidad de combinar el deporte y el arte. El educador pretendía cumplir la máxima clásica: “Mente sana, cuerpo sano”.

En 1906, Coubertin propuso organizar competencias de arte dentro del marco de los Juegos Olímpicos. Las competiciones olímpicas se dividirían en las áreas de Arquitectura, Literatura, Música, Pintura y Escultura.

En los Juegos Olímpicos de 1912, en Estocolmo (Suecia), se concretó la propuesta de Coubertin. Solo 35 participantes enviaron sus trabajos y algunos conquistaron medallas de oro en las diversas categorías. En las Olimpiadas de Parías en 1924, la competición artística adquirió mayor relevancia donde alrededor de 193 artistas presentaron sus trabajos. De igual forma, en Amsterdan de 1928,  la expectativa fue mayor cuando se presentaron más de mil 100 trabajos en el Museo Stedelijk de esa ciudad.

La participación de artistas se descontinuó luego de las Olimpiadas número 49 que se realizó en Atenas. Los miembros votaron para que estas competiciones del arte se lleven a cabo fuera de las competiciones deportivas.

Este tipo de Olimpiadas  se dejaron de realizar desde que el Programa Cultural Olímpico organizó la competencia deportiva. A partir de ese momento, se buscó que solo deportistas profesionales participen en los juegos.



Fuente: Rpp Noticias

viernes, 27 de julio de 2012

ADIOS AL IVA CULTURAL


Nos gustaría que nuestro último post antes del periodo vacacional fuera portador de otro tipo de novedades pero la realidad es que las últimas medidas fiscales adoptadas por el Gobierno han provocado verdadera crispación en el mundo del arte.
Para supuestamente garantizar la estabilidad presupuestaria y el fomento de la competividad, se han modificado los tipos impositivos del IVA pasando el tipo impositivo general del 18% al 21% y el tipo impositivo reducido del 8% al 10% mediante el Real Decreto-Ley 20/2012 de 13 de julio.
Esta subida del IVA, que se aplicará a partir del 1 de septiembre, ha resultado espectacular en el sector del arte ya que:

1º- Hasta ahora, los artistas que vendían la obra que producían sin intermediación de un tercero lo hacían con un IVA reducido del 8%. A partir de septiembre deberán vender sus obras con un 21% de IVA lo que supone una subida de golpe de 13 puntos.

2º- Los galeristas que hasta ahora vendían las obras con un IVA del 18% lo deberán hacer a partir de septiembre al 21%

3º- Las importaciones de obras de arte y las adquisiciones intracomunitarias que hasta ahora tenían un IVA reducido del 8% pasan al tipo general del 21%

4º- Además, las retenciones a cuenta del Impuesto de la Renta de las Personas Físicas suben del 15% al 19%

La repercusión negativa que estas medidas causarán en el arte y en la cultura en general son enormes. Para empezar, supondrá una paralización de las ventas y de las importaciones de obras de arte en nuestro país situándonos en una posición de clara inferioridad respecto a otros países de nuestro entorno que aplican tipos como el del 5% en Inglaterra.

Por otro lado, supone por parte del Gobierno un total desconocimiento del funcionamiento del sector y desprecio hacia el mundo del arte. Como nos decía un artista hace unos días “si consideran el arte como un artículo de lujo es que no han entendido nada”. El acceso a la cultura es un derecho constitucionalmente reconocido. Además, tal y como dice la galerista y coleccionista Juana de Aizpuru “Si piensan recaudar más, que equivocados están”.

 

Fuente: Beatriz Niño, Blog de Nial Art Law

jueves, 12 de julio de 2012

Novedades Julio. La obra gráfica de grandes artistas.


Exposición de Picasso en el British Museum 
Picasso exhibition at the British Museum

El British Museum presenta hasta el 2 de septiembre la exposición Picasso, La Suite Vollard. El museo londinense ha adquirido cien grabados producidos por el artista entre 1930 y 1937, obras que nunca han sido expuestas anteriormente. Esta exposición pone de relieve dos temas significativos: la relación de Picasso con su modelo Marie-Thérèse y su compromiso con la escultura clásica. 

The British Museum presents until 2nd September, the exhibition Picasso, The Vollard Suite. The museum has acquired one hundred prints produced by the artist between 1930 and 1937, works that have never been exhibited before. This exhibition highlights two significant subjects: Picasso's relationship with his model Marie-Thérèse and its commitment to classical sculpture.


Catálogo de la exposición
Coppel Stephen, Picasso. The Complete Vollard Suite prints, 2012, Ed. British Museum

Principal Art en obra gráfica
Graphic works from Principal Art


Alexander Calder era famoso por sus esculturas pero no se ha de ocultar su obra gráfica. De hecho, se nota un renovado interés por su obra gráfica en los últimos años como lo demuestra su puntuación en el mercado del arte. Al igual que Calder, la producción de grabados y serigrafías de Antoni Tàpies fue sin duda mucho menos conocida que su obra plástica. Sin embargo, desde 1947, el artista desarrolló una intensa actividad en el campo de la obra gráfica. También, realizó muchas portadas de libros en colaboración con escritores y poetas. 

Alexander Calder was famous for his sculptures but it should not forget his prints. In fact, there is a renewed interest in his artwork in recent years as evidenced by their scores on the art market. Like Calder, the production of engravings and prints by Antoni Tàpies was certainly much less known than his work of paintings. However, since 1947, the artist was very active in the field of graphic art. Also, he realized many covers of books in collaboration with writers and poets.

Joan Miró empezó a experimentar con el grabado y la litografía hacia los años treinta cuando realizó sus primeras litografías para el libro El árbol de los viajadores, de Tzara con quien colaboró a partir de entonces. A partir de 1948, Miró trabajó con abundancia la obra gráfica y litográfica en distintos talleres de París y Barcelona. También el escultor Eduardo Chillida realizó numerosas obras gráficas y ha recibido muchos premios por sus grabados (aguafuertes). Sus obras sobre papel son una parte importante de su creación. Con la tinta, lápiz, o a través de la técnica del grabado, sus obras siguen el mismo principio que sus esculturas.

Joan Miró began experimenting with etching and lithography in the '30s when he made his first lithographs for the book The Tree of the travelers, with Tzara who collaborated with the artist thereafter. Since 1948, Miró worked profusely lithographic and printmaking in various workshops in Paris and Barcelona. The sculptor Eduardo Chillida also made numerous graphic works and has received many awards for his etchings. His works on paper are an important part of the creation. With the ink, pencil, or through engraving techniques, his works follow the same concept as his sculptures.



 ArtNews ya ha publicado la lista con los 200 coleccionistas más importantes del mundo del 2012. Este año sólo aparecen incluidos dos españoles.

 ArtNews has named its top 200 art collectors in the world of 2012. This year only two Spanish collectors are included.






martes, 10 de julio de 2012

Una galería virtual exhibe 40 grandes obras de arte destruidas, robadas, rechazadas, perdidas...



El pasado día 5 de marzo, la publicación 20minutos.es anunciaba la inauguración de una galería virtual albergada por la Tate Gallery, en la que se reúnen más de 40 grandes obras desaparecidas
Queremos compartir con vosotros la noticia ya que nos ha sorprendido gratamente tanto por su originalidad como por su trascendencia. 

El arte, como expresión creativa del ser, es un elemento fundamental de nuestra cultura y nuestra historia sin embargo, son centenares, o probablemente miles, las obras que han sido agredidas y destruidas a lo largo de los siglos empezando por la antigua Grecia.  

Esta exposición recoge  obras perdidas de algunos de los artistas más destacados del último siglo pero si queréis saber más sobre la destrucción del arte, agresiones a grandes obras de arte contemporáneo, las motivaciones y perfiles de los agresores, os recomendamos este trabajo realizado por unas estudiantes de la Universidad de Barcelona

Y a continuación os dejamos con el artículo sobre la galería virtual:

Tres obras que nunca veremos 
Desde la izquierda , escultura de Freundlich destruida por los nazis, retrato robado de Bacon pintado por Freud y cuadro de Miró desaparecido (Gallery of Lost Art)



Gallery of Lost Art (La galería del Arte Perdido) es una exposición en línea de cuarenta obras de arte del siglo XX que han desaparecido. La muestra virtual, de un año de duración, explora las circunstancias, a veces extraordinarias y a veces banales, en que las piezas se perdieron.

Una nueva obra cada semana

La web, que acaba de ser estrenada con veinte obras en línea e irá creciendo en contenidos a medida que avance el periodo de exhibición, muestra imágenes de archivos, entrevistas, ensayos y un blog. Una nueva obra será añadida cada semana durante los próximos seis meses y los promotores de la idea quieren que la web se convierta en una plataforma de interacción y participación de los usuarios.
La muestra en línea de arte perdido contiene piezas de artistas de primera fila, entre ellos Marcel Duchamp, Joan Miró, Willem de Kooning, Rachel Whiteread,Tracey Emin, Frida Kahlo, Diego Rivera, Francis Picabia, Georges Braque, Kazimir Malevich y Joseph Beuys.

Recorrido por un enorme almacén

La web está diseñada para que el visitante recorra un enorme almacén en el que se irá encontrando con las obras perdidas. A través de ellas se accede a información multimedia sobre cada trabajo, el artista que lo firma, los pormenores de la desaparición de la pieza y otros detalles.
Frida Kahlo había regalado un cuadro luego desaparecido al embajador de Rusia En el tránsito por el espacio virtual podemos encontrar la escultura Large Head (The New Man), de Otto Freundlich, destruida en torno a 1937 por los nazis, que la consideraban una pieza degenerada; el poderoso retrato que Lucien Freud hizo a Francis Bacon en 1952, robado en Berlín en 1988 y del que nunca más se han tenido noticias pese a la cuantiosa recompensa ofrecida por datos sobre su paradero; la tienda de campaña Everyone I Have Ever Slept With 1975-1995, de Tracey Emin, destruida por un incendio en 2004, o el maravilloso y alegórico The Wounded Table, un óleo sobre la muerte pintado en 1940 por Frida Kahlo, que lo regaló al embajador de Rusia en México, se expuso en Polonia en 1955 tras la muerte de la artista y desapareció desde entonces...

La fuente-urinario de Duchamp

En la muestra también aparece una obra del marido de Kahlo, el muralista Diego Rivera, cuyo Hombre en la encrucijada fue mandado a tapar o destruir —no está claro— por el magnate Rockefeller porque incluía un retrato del Lenin; la Fuente-urinario original que Marcel Duchamp expuso bajo seudónimo en 1917, también desaparecida; La Muerte, el enorme cuadro que Miró instaló en el pabellón de España en la Exposición Internacional de París de 1937, del que no se tuvieron noticias tras el desmontaje de la instalación, y el traje de pantalón y chaqueta (Felt Suit) que Joseph Beuys utilizó en su performance Action of the Dead / Isolation Unit in (1970).
La pérdida nos alcanza con su sombra y no somos conscientes Jennifer Mundy, la comisaria de la Gallery of Lost Art ha declarado: "La historia del arte tiende a detenerse en las obras que sobreviven, pero la pérdida también nos alcanza con su sombra de maneras de las que en ocasiones no somos conscientes. Los museos suelen hablarnos de las piezas que tienen en sus colecciones, pero esta muestra se centra en obras significativas que no pueden ser vistas".

"Una nueva forma de ver el arte"

Para Jane Burton, directora creativa de Tate Media, explica que el reto fue contar las historias de algunos objetos de los que apenas quedan nada más que fotos de mala calidad. "El resultado que hemos conseguido es una nueva forma de ver el arte: una web que permite la inmersión en un almacén que los visitantes pueden explorar".

La Gallery of Lost Art, otra de las múltiples iniciativas que se desarrollan en el Reino Unido como complemento de los Juegos Olímpicos, está coordinada artísticamente por la Tate y tiene la colaboración de Channel Four y el Arts and Humanities Research Council. El espectacular diseño de la web es del estudio ISO.



Fuente:  20minutos.es

lunes, 11 de junio de 2012

Novedades junio. Sobre fotografía

Desde el 6 de junio y hasta el 22 de julio, la nueva edición de PhotoEspaña ofrece 80 exposiciones con la obra de 315 autores además de múltiples actividades relacionadas con la fotografía.  Ante tal mosaico de artistas, desde Principal Art os ofrecemos una variada selección de las fotografías de su colección. Hay para todos los gustos!
Ximo Lizana  Ximo, director de ARCO 2002,  es un artista multidisciplinario que desarrolla su creatividad en el campo de las nuevas tecnologías como la robótica, los hologramas, o la fotografía.



Autoretrato del ángel negro
Fotografía
109 x 148 cm 
Alex Haas (1963) es hijo del fotógrafo austriaco Ernst Haas. Ingeniero informático y de sonido, A. Haas ha cruzado ambas disciplinas en la serie de 15 fotografías Histagram. Estas imágenes parten de la fotografía de un pixel, de una de las fotografías que su padre realizó a una flor. El resultado, ha sido manipulado por ordenador y unido a la imagen de una vibración musical. Os dejamos con cuatro de sus fotografías pertenecientes a la serie.



  



  
Serie Histagram, 2005
Fotografía
74 x 74 cm 

Rómulo Royo La serie de Siameses cuestiona la dualidad del ser humano, es decir el hombre en su individualidad y el hombre en la comunidad tal y cómo esta percibido por los demás. En este sentido, Romulo Royo ve a los seres vivos como siameses: el uno no puede vivir sin el otro aunque las dos mitades están en constante conflicto. 



pastedGraphic_5.pdf

Serie Siameses
Técnica mixta sobre tela translucida retroiluminada, montado en aluminio
165 x 165 cm  

Hiroshi Sugimoto  Casa Batlló, forma parte de las múltiples imágenes tomadas por el autor a los edificios más emblemáticos de nuestra era, fotografías de las obras de las más relevantes personalidades de la arquitectura modernade descontextualizadas, extraídas de su entorno y, sobre todo, tremendamente afectadas por una sorprendente utilización del enfoque. En estos momentos, Hara Museum de Tokyo presenta la nueva exposición del artista  From naked to clothed.




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Casa Batlló,1998
Gelatinobromuro de plata sobre papel. Ed 11/25
47 x 58,5 cm 





About photography
From 6th June to 22nd July, the new edition of  PhotoEspaña offers 80 exhibitions, the work of 315 authors and multiple activities related to photography. Given this mosaic of artists, Principal Art wants to offer a varied selection of photographs from his collection. Something for everyone!
Ximo Lizana was the director of ARCO 2002, is a multidisciplinary artist who develops his creativity in the field of new technologies such as robotics, holograms, or photography.



Self-portrait of black angel
Photography
109 x 148 cm
Alex Haas (1963) is the son of Austrian photographer Ernst Haas. Informatic and sound engineer, A. Haas has crossed both disciplines in the series of 15 photographs Histogram. These images are based on pixel of a  photograph that his father made a flower. The result has been manipulated by computer and mixed with the image of a musical vibration. We leave you with four of his photographs from the serie.






Histogram series, 2005
Photography
74 x 74 cm

Romulo Royo Siamese serie expresses the duality of man, the man in his individuality and men in this community and how it is perceived by others. In this sense, Romulo Royo sees humans as Siamese who one can not live without each other, however the two halves are in constant conflict.


pastedGraphic_5.pdf
Siamese Serie
Mixed media on canvas translucent backlit, mounted on aluminum
165 x 165 cm

Hiroshi Sugimoto Casa Batlló is part of the multiple images taken by the author of the most emblematic buildings of our era. The images are decontextualized, removed from their environment and, above all, tremendously affected by a surprising use of the approach. In this moment the Hara Museum in Tokyo presents the new exhibition by artist From naked to Clothed.



pastedGraphic_6.pdf
Casa Batlló, 1998
Gelatin silver on paper. Ed 11/25
47 x 58.5 cm




miércoles, 6 de junio de 2012

Art Bites 34. Rómulo Royo


Rómulo Royo nace en 1976 en Zaragoza. Se formó en pintura, ilustración y diseño. Entre 1995 y 1999, realizó ilustraciones para revistas y  portadas de novela que se publicaron internacionalmente. Su obra se expone desde 1997 y está en diversas colecciones privadas, fundaciones y museos. Este año, ofreció una performance durante un concierto en Barcelona, con su padre Luís Royo. 





Rómulo Royo
Serie Siameses, 2009
Técnica mixta sobre tela translucida retroiluminada, montado en aluminio
165 x 165cm



En la serie de Siameses, Rómulo Royo cuestiona la dualidad del ser humano, es decir el hombre en su individualidad y el hombre en la comunidad, tal y cómo esta percibido por los demás. En este sentido, Rómulo Royo ve a los seres vivos como siameses: no puede vivir uno sin el otro, sin embargo, las dos mitades están en constante conflicto. La instalación que presenta Principal Art forma parte de este serie. Se proyecta un cuerpo emergente de un cuadro iluminado por un fluorescente que confunde lo real y lo virtual, otra alusión a los siameses. 



Rómulo Royo was born in 1976 in Zaragoza. He trained in painting, illustration and design. Between 1995 and 1999, he did illustrations for magazines and book covers that were published internationally. His work is exhibited since 1997 in private collections, foundations and museums. This year, he did a performance with his father, Luis Royo during a concert in Barcelona.



In the series of Siamese, Rómulo Royo expresses the duality of the human being, The man in his individuality and the man in the community, just how he is perceived by the others. In this sense, Rómulo Royo sees humans as Siamese who can not live without each other, however, the two halves are in constant conflict. The art work Principal Art shows is part of this series. It projects an emerging body illuminated by a fluorescent that confuses the real and the virtual, another allusion to the Siamese.








martes, 15 de mayo de 2012

Gracias a todos los que nos acompañasteis  

El pasado 26 de abril se celebró la inaguración del nuevo espacio de Principal Art. El evento fue una agradable fiesta y llenamos la galería gracias a la presencia de buenos amigos, compañeros, coleccionistas, algunos artistas como Noe Serrano y personas que hacía tiempo que no veíamos.

Gracias a todos por vuestro apoyo!


                                                                                                       Fotos por Sara Frost

lunes, 2 de abril de 2012

Novedades Marzo.


 PRINCIPAL ART  EN LA 36ª EDICIÓN DE ANTIQUARIS


 
Desde el pasado sábado y hasta próximo domingo 1 de Abril la Fira de Barcelona ha abierto sus puertas al Salón de Arte Antiguo y Moderno en el palacio 8 del recinto ferial donde este año, Principal Art presenta una colección con obras de algunos de los artistas más importantes del panorama internacional. Os invitamos a visitarnos ya que lo mejor está por ver!

 
  



Os presentamos también esta obra de Antoni Tàpies que hemos adquirido recientemente.



Antoni Tàpies
Reja negra sobre rojo, 1975
Gouache sobre papel
57 x 76 cm